reviews
Angles"Epileptical west –live in Coimbra"
(Clean feed)
Debutplattan var högklassig, spirituell, politisk jazz, och på Epileptical west går den svenska sextetten ännu djupare in i samtidssvärta och poetisk slagkraft. Det är ett suveränt band –Johan Berthling, Kjell Nordeson, Mats Äleklint, Mattias Ståhl och Magnus Broo samt gruppledare Martin Küchen –men även om individuella prestationer hugger till så är det som kollektiv Angles slår det mesta av dagens frijazz. Musiken river upp sår och plåstrar om på en och samma gång. Det frustar, brinner och afrobeatsvänger. Martin Küchen har gjort mycket bra – men Angles är nog hans allra vassaste band hittills.
PM Jönsson/GP
Angles Epileptical West - Live in Coimbra
Last year regular reader Wojtek asked me why I didn't give the previous album by Angles, "Every Woman Is A Tree" a five star rating. And I reacted saying that I really had considered it, yet did not at the last moment. I will make up for this and give the band's new release the maximum rating, because every track on the album is equally strong and compelling, while the music is powerfully expressive, the playing exuberant and full of emotional depth.
The band is the brainchild of Swedish saxophonist Martin Küchen, and further consists of Mattias Ståhl on vibraphone, Magnus Broo on trumpet, Mats Älekint on trombone, Kjell Nordeson on drums and Johan Bertling on double bass.
Like its predecessor, the music is one long wail of protest and anger against the madness of today's world. In order to do that, the band falls back on African rhythms, grand themes, and tremendous playing. The wonderful first track could be coming from Bengt Berger's "Bitter Funeral Beer", (one of my all-time favorites) with its polyrhythmic drive, strong theme and wild interactions, yet which all fit into one whole.
The second piece, "Today Is Better Than Tomorrow", starts with slow vibes, and rumbling drums, as a gradual build-up for the glorious theme, introduced by Küchen, with the other horns echoing it, and driving it forward. It is of a hair-raising sadness.
The title track starts full of disorientation and madness over a strong rhythmic backbone, with Broo's trumpet leading the tune, then changing gear into a strong African rhythm, half-funky over which a compelling theme is woven, a solid base for the individual soloists to express their anger, and joy, then shifting back into chaotic madness, with the bass driving up the tempo to give Nordeson the chance to hammer away. "En Svensk Brownie", is again a funky rhythmic delight, evolving into middle piece with the arco bass and percussion reminiscent of Hemphill's Dogon A.D.
To my great joy, they also play the title song of their previous album, an absolutely stunning, stirring, rousing composition, again a gloriously expansive piece, that is both sad and joyful, angry and inviting, full of powerful soloing. The long last track is quieter, subdued, with Küchen's soloing beautifully soulful and bluesy, giving a great sense of compassion and hope at the same time.The piece becomes excited, then is crystalised around a sensitive arco bass solo by Bertling in the middle, then moving back to the main theme and related distress.
And it is a live album, with an audience that shouts full of enthusiasm, not only after the tracks, but also when the band unexpectedly change gear, or fall back into a steady groove. Great!
As you may read, I am excited. And more than just a little. This music gets you whole: soul, mind, heart and body
. If you buy only one album this year, buy this one!
Stefs Freejazzblog
Angles Epileptical West - Live in Coimbra
Av: Thomas Millroth
För 40-50 år sedan, så långt tillbaka, brann jazzmusiken, det var svedjebrand. Den svarta musiken gick parallellt med litteratur, politik och en öppet undersökande och ifrågasättande attityd gentemot historieskrivning och ideologi. Det går inte se och höra den musiken utan den samtida kontexten, som ju också var dess styrka. En hel del kraft fann den också i en halvt ockult halvt andlig sfär, som kanske är svårsmält idag. Det är därför det också varit så svårt, ja hart när omöjligt att göra om konststycket. I alla fall inom karbonjazzen. Iggy Pop och Patti Smith och alla punkare lyckades desto bättre – för de hade anledningen.
Fortfarande idag finns en sida i den fria jazzen som vetter mot klichén. Det är väl i sin ordning, men också rätt tröttsamt att uppleva en musik som bara lyssnar på annan musik för att spegla den. Som om kontext och dekonstruktion aldrig hade existerat.
Nu tar saxofonisten Martin Küchen tillsammans med vibrafonisten Mattias Ståhl, trumpetaren Magnus Broo, trombonisten Mats Äleklint, slagverksspelaren Kjell Nordeson och basisten Johan Berthling sig an uppgiften att stilmässigt röra sig någonstans i frijazzens brännpunkt som Angles.
Albumet öppnar med ett gungande beat, sugande melodier och fett sextettsound vars konturer görs skarpa av Berthlings bestämda bas, Ståhls klirrigt nervösa vibrafon och Nordesons ytterst varierade rytmiska spel, ja, när de drar igång sugs jag obönhörligt in. Saken är förstås att kompet kan svänga ordentligt och blåsarna vet hur man suger sötma och märg ur en melodi.
I lamenterande långsamt tempo rullar musiken rytmiskt framåt. Blåsarna sjunger i extas. Broo är som vanligt lysande. Äleklint spelar som om han vore Roswell Rudd. Küchen spelar med blåtonad desperation, och hans låtar är fyllda av möjligheter för musikerna, och Angles blir en sextett av det personliga snittet där gruppen och materialet lyfter alla till något mycket mer än en individ. Kollektiv och person smälter samman.
Och musiken är inte ett slags projekt, detta söndernötta ord, att hylla den ena eller andra, buga åt ena eller andra hållet. Vad jag skulle önska dessa dagar vore en musik som tänds av vad som äger rum i tiden. Inte som pliktskyldiga dedikationer hit och dit, men en musik som vågar utsätta sig och försöka komma åt en struktur, som bär upp känslor framkallade av historia, poesi, ideologikritik – ta allt från Ship to Gaza till det allt brunare Mellaneuropa. Men jag menar inte alls något slags nyprogg med töntiga kamptexter. Hur var det nu? Det lönar sig lyssna på New York Art Quartet, Feminist Improvising Group, Archie Shepp. Utan att göra likadant, för vi måste växa ur det beundrande luftgitarrsyndromet.
Küchen ställer musikens starka flöde vid sidan av ett resonemang om lögnen, att historien måste skrivas om, han släpper fram röster från Baghdad och Gaza utan att ta till brösttoner i konvoluttexten. Han ställer frågor, arbetar med glödande paradoxer, där förstörelse ställs mot välstånd, och själva musiken tillåts vara – paradoxal. Välklingande, extatisk vred som någonsin Mingus eller Art Ensemble of Chicago.
Det är intelligent. Skönt att en musiker agerar lika smart som en textmedveten poet! Kritisk och omfamnande gentemot språket. Det är inte en musikmaskin det gäller, det är extasens och känslornas historia och anatomi. En anledning till musik, att borra sig in i tiden och låta den vara som ett eko. Tro och tvivla på strukturerna, bara vid tvivel spelar musikerna så bra som här. En medveten poetisk klarhörd musiker som Küchen har lyckats skrapa sig ner till ett virrvarr av intryck som kan stillna i en enda politisk estetisk sekund. Patti Smith har skrivit om dagen då Coltrane dog. Jag minns den också. Allt tystnade, det mesta omkring sjönk undan, onödiga ilskor och meningslösa gester, oron över Vietnamkriget rev i bröstet, de svartas rörelse i USA ekade, och plötsligt rymdes allt i detta ögonblick. Och jag tror det var detta som slog likt ett bultande hjärta i varenda svart musikgrupp tio år framåt sedan.
Küchen har lyckats transplantera allt detta till idag.
Men det är ingen pastisch, ta mig Coltrane om inte det här är en av de bästa frijazzplattor jag hört på mycket länge.
Det är Martin Küchens tur nu! Som låtskrivare, solist och kritiskt och poetiskt tänkande musiker.
"The lie and the orphanage"(Mathka)
First of all, is that, or is that not, the best CD sleeve image we’ve seen anywhere for a while? Even the new Chamy/Dorner album cover, which is rather brilliant, isn’t as great as this one. The sleeve, which is roughly the size and shape of a 7″ single’s wraps around a normal size CD, the third solo album by the Swedish saxophonist Martin Küchen, titled The Lie & the Orphanage and released on the Polish Mathka label. Now I really like Martin Küchen, both as a person and as a musician, and this new disc, released two or three years after his last excellent solo Homo Sacer is just more confirmation of that fact. So given I really enjoy this CD, as I suspected I would, what more is there for me to say about it?
I find myself trying to dissect the album, work out how it has been made, fathom out whether there is overdubbing at work here or not, second guess how each sound is created, spot where the pocket radio (which is the only listed form of instrumentation other than baritone and alto sax) appears… While this is my natural reaction, I can’t help but feel it is the wrong way to listen, or subsequently write about this music. Küchen creates eight short-ish little soundworlds on this album that each serve as little systems in themselves, often quite circular and repetitive in form, a frequent reminder that we are (mostly) listening to a human being’s breath cycling through a series of metal tubes here. Küchen is amazing to watch live, a mass of tensed muscles thrown into dramatic shapes, his sax, huge in size essentially untreated bar an assortment of whiskey bottle tubes thrust intermittently into the bell, and the pocket radio, often way out of site inside the instrument, switched on and off often with the help of a foot pedal. The techniques tend to get in the way of something like this. As I have written before its better to shut my eyes and not watch at concerts. Listening now I find myself picturing Martin playing when I should be just listening. The music lives and breathes and evolves and grows enough on its own without the visual links.
Each of the pieces here then feels like a little ecosystem. If I cut the images of Martin out of my head I see colonies of ants scurrying to and ‘fro, building little structures, running around in circles, fetching and carrying material from one place to another, the whole thing supporting itself. The pieces feel thoroughly organic in a similar way, air blown into one valve, a sound made, released through another, natural rhythms forming, but changing gradually as different valves are opened, different exit routes offered, and percussive, scraping elements are added. Then there is the radio, which is only ever used to provide hissing, vibrating sounds, we never hear it tuned to any station, so it works as an extra layer of constant sound, indeed often only identifiable by its consistency, the one element not tied to the natural pulse of human breathing patterns. Some tracks sound like mini clockworks, Warszawa, (I think the same track that appeared on one of the Compost and Height Split Series releases?) uses small speedily turning percussive sounds interspersed with gasps of air, others, like the incredible Named by an unnamed source, the opening track, complete with its massive belches of sound that begin the piece are fierce masses of tumbling sounds of assorted shapes, sizes and textures. There is a feeling of Küchen pushing himself, physically, right to the edge- forcing every last gasp of breath, holding on to each exhalation that little bit longer than is comfortable, forcing rapid rhythms that need every muscle twitching in time. I wonder how many pieces were attempted, how often this music fails and recordings are left on the studio floor? I think that on the whole, apart from the closing piece, which is listed as a multitracked work all of these pieces were played straight, in real time without overdubs. I may be wrong, but as unrealistic as this may sound if you listen tot he album I suspect it to be the case.
Martin Küchen is also a highly political, emotional person. The tension in his music runs on through into the titles of the pieces- (Plausible Lies, An Eye for an Eye/Congolese women (for John Sack), Other Losses (for James Bacque) Killing the houses, killing the trees) but it comes from Küchen’s personal dissatisfaction with the world we live in. If elements of this music sound angry, ugly or aggressive then we hear Martin’s disgust at modern Western society expressed in abstract ways. Its impossible (and ridiculous) to try and separate music as personal as this from the person that made it, but here, knowing the man as well as his music the link is clearer than ever. The Lie and the Orphanage then is far more than just a catalogue of extended techniques, as I so wrongly once described his first solo album. Its a work of great depth and surging emotion that tugs you into its web and tears you apart if you get in too deep. Great music indeed.
Richard Pinell - The watchful ear
The lie & the orphanage (Mathka)
Troisième enregistrement solo de l'hyperactif et éclectique suédois Martin Küchen, The Lie & The Orphanage, paru sur le label polonais Mathka, se situe dans la même lignée que les précédents. Un disque encore et toujours aux frontières de l'expérimentation et des résurgences ancestrales.
Car si Küchen utilise uniquement des techniques étendues, sa musique n'a rien à voir avec celle de ses homologues saxophonistes qui poussent l'exploration de l'instrument à ses extrêmes. Les techniques de Küchen servent une musique immémoriale, basée sur le souffle et la percussion. Concrètement, cela donne bien sûr une amplification des clés et des tampons, un souffle accentué et omniprésent: mais le but de Küchen n'est pas d'explorer l'instrument, cette exploration est mise au service d'un contenu beaucoup moins austère que les recherches froides menées sur le timbre auxquelles nous sommes habitués. Ici, le rythme est au premier plan, chaque composition se trame sur une pulsation primordiale, une pulsation sur laquelle peut se déployer la musique, dont l'absence serait dévastatrice.
C'est ensuite un souffle qui surplombe cette pulsation, parfois une mélodie aux sonorités proches de la flûte, parfois un simple son modifié par les clés, ou encore les clés seules, etc., les possibilités sont infinies.
Küchen nous plonge dans une musique immémoriale, ancestrale, qui appartient aujourd'hui à l'inconscient collectif.
L'approche est organique, des idées simples se déploient non sans nous affecter profondément, car les compositions mises au point par ce jeune prodige sont extrêmement émotionnelles, elles sont mêmes brulantes de sentiments: la haine du mensonge, la tristesse de l'orphelinat peut-être, la mélancolie, mais aussi et surtout la joie et l'énergie propres aux rites et aux cérémonies, l'espoir fondé par la magie de la musique.
The Lie & The Orphanage regroupe huit pièces assez courtes, chacune possède son propre caractère, et toutes nous affectent différemment, Küchen nous guide dans des territoires musicaux et sentimentaux uniques (parce qu'inconscients?), mais qui sont néanmoins tous ancrés dans un paysage empreint d'humanité et de ritualisme.
Des compositions organiques, puissantes, riches (derrière l'apparente monotonie de la pulsation se cache parfois des compositions rythmiques étonnantes), et toujours créatives. Magnifique!
Julien Héraud, 2011 http://improv-sphere.blogspot.com/
"The lie and the orphanage" (Mathka)
(...) Suffice it to say that this is an outstanding recording, something everyone reading this should hear.
*****
It could be a walrus. Some very large, ungainly, semi-aquatic creature expelling air through a hole layered with tissue and fat and hairs. But then multiple apertures open at once and the creature just spouts information, chaotic from one angle, streamlined from another. Effluvia momentarily expelled, the beast lies down and breathes in short, percolating gasps, quiet but insistent. The pressure builds, however, surging in near-regular waves, causing the organ-walls to quiver, liquid to shudder, wind-drying them, forcing them to grind to a stuttering halt. Gasping again, more desperate and asthmatic, the inhaler partially blocked by fibers, the meager air whistling as it's sucked in, exhaled. At last, the whole bubbling, churning, motoric organism shifts into gear, half-beast, half-machine, navigating through viscous fluid, eating, excreting, copulating as it makes its way from pool to pool.
These were my initial thoughts on hearing Martin Küchen's solo album, before seeing the cover image! I was pleased that my imagery at least resided in the proper class, mammalia. Küchen's work had always connoted something extremely organic to me, combined with a strong sense of ground, of dirt and well-trodden floors. On "The Lie & The Orphanage", he evokes both of those sensations in spades, grinding, wheezing, gutturally rumbling with extreme corporeality and determination, eliciting sounds that, even in this age of post-saxophonic exploration, are startlingly new. Much more importantly, they read as true, as deeply felt expostulations, all building to the astonishingly visceral, multi-tracked finale. Strong, vital work.
Brian Olewnick - Olewnick.blogspot.com
"The Lie & the orphanage" (Mathka)
Av: Thomas Millroth
Ett soloalbum på baryton och altsax + litet annat. Küchen skapar från start ett rullande, pulserande, trampande sound som känns allt otåligare.
Klangen är dov, nästan hotfull, eller osäker, som om han sökte efter ljudkombinationer han visserligen finner, men också bara delvis snuddar vid. Jag kan tänka mig att det även är idén. Att inte fastna i sina egna svallvågor. Att inte få sista ordet.
Hans musik porlar och rinner framåt, men den är också vass och kantig, snittytorna i musiken får den att välla fram. Nya bitar fogas ihop.
Albumet framstår för mig som en reflexion över lögnens makt över vårt språk och våra liv. Hur vi fogas in i sammanhang som kanske inte alls är sanna. Och hur historien också väller in över oss, då den lyckas bryta de fördämningar som byggts upp. Hela Europa är fyllt. Se bara hur de centraleuropeiska staterna åter fyller parlament och folks sinnen med rasism och självgodhet. Det är berättelser som sett ut på ett vis då det passade och ett annat senare. Här ryms existentiella val. Som också blir t ex en familjs historia.
Küchen berättar om sin tyske far, som ”var den ende i familjen som slagits på Hitlers sida”, han berättar om fånglägren för de tyska soldaterna, men antyder även en annan historia, de allierades övergrepp. Då rör han sig med denna parallell också i musiken mot såriga områden i minne och känslor. Han river sig ner genom sårskorporna. Och jag minns vad min egen far berättade om död, val, motstånd. I holländska motståndsrörelsen genomförde han under kriget ett bombdåd mot tyska officerare. Bomben exploderade, men vad han inte visste var att tysk trupp var nära, han kom undan bara för att se hur de grep alla civila och avrättade dem. Då han berättat detta teg han och vägrade någonsin mer beröra ämnet. Det finns så mycket lögner kring allt detta, ensidigheter som också skär rakt in i vår egen historia idag. Hos mig lika väl som Martin Küchen.
Det alkemiska undret är hur denna såriga variga historia om död liv lögn förvandlas till en tät flödande, litet hackig musik som spänner mellan sårkanter och bandage, som öppnar ljudrum där det bara är att gå in och vistas, fascinerad. Det är mycket rituellt, pockande, maniskt, sökande.
Han har alltså en anledning att lägga denna solomusik tätt inpå. Strukturer, variationer, klanger är inte enbart för skojs skull. Likt ett språk måste de behandlas och betraktas. Instrumentet snittar upp väven – av lögner, av föreställningar, av val – och öppnar för nya strukturer. Att pröva på.
Uppgiften är grannlaga och frågan är ju också om musiken inte bara är angelägen utan också en angelägenhet.
Den har passion, längtan, kärlek, kåthet, sorg, smärta, ja, allt men uttryckt på ett vis fjärran från alla klichéer (= fibrerna i lögnväven). Maniskt pulserande mitt i extasen har Martin Küchens spel vad som förr brukade kallas duende. Öronen och tankarna släpper inte denna musik i första taget.
25.08.2010. 08:41